中国画构图法则

1、留白

留白的含义并不仅仅是画纸不留一笔的绝对空白，而是一种特殊的构图法，用一种不具体的方式去表达除实物外的画面中的意境，体现了一种言有尽而意无穷之意，中国画家利用留白恰到好处地在纸上表达了实物与意境之间画面虚实关系。留白具有能更加精准地反映现实生活与文人骚客的精神境界，从客观描绘到精神境界与高雅的气运，提升画面意境，提高画面整体质量，通过有形与意境的对比，运用柔化的线条，组成中国画中特殊的视觉形象，给观画者留下无限想象空间的优点。

2、无具体限制

国画的视角没有固定视点、位置。画的整体和形体的置陈被当作一个有好多肢体的整体来看待。并且在佈势上把握了距离变化和疏密的穿插，因此具有不受篇幅大小和纵横等限制的优点。

3、之”字型构图方式

之”字型构图方式常用于花鸟画等。之”可以将各个分散的部份贯穿成一个统一的有意境的画面。这样使构图既不偏重于一边，又不会造成两边分佈过于呆板对称。使画面更加灵动变化，均衡统一，这种构图方式运用广泛，可横亦可竖，例如：在立轴，横幅和斗方中都可以运用。

国画的构图规律是什么？

构图虽然是一个非常活跃的艺术创造过程，但并不是无法可循。中国画在其长期的发展演变中建立了许多符合自身审美要求的构图法则，如布势、主次、对比、均衡、疏密、开合等等。除此之外，中国山水画家在构图上有“五字法”的形象性的概括描述——按“之”、“甲”、“由”、“则”、“须”五个字的结构样式来分割空间：“之”字是左推右让、“甲”字是上重下轻、“由”字是上轻下重、“则”字是左实右虚、“须”字是左虚右实。再如“散点透视”中的“三远法”……种种法则，使我们在研究、学习中国画构图时有了较为明晰的思考方向。这些是民族艺术中逻辑思维和形象思维交织演化的宝贵遗产。

国画的构成技巧

国画的构成技巧

中国画，按绘画技法分类： 写实国画、写意国画、工笔画、抽象国画、内画等。下面是我为大家带来的国画的构成技巧，欢迎阅读。

一、经营特色

1、国画不以固定视点、位置写形，不管画中有多少形象，只是当作一个有好多肢体的整体来看待。所以画中的形体和整体的置陈，永远被看作一件事，只要在布势上把握了距离变化和疏密的穿插，便可以不受篇幅大小和纵横等限制，以此为中心而予以适当的安排。

2、以空白来调合笔墨色彩，亦是国画构图的特色。

二、构图要点

1、宾主：有主题和陪衬物，画面才有主从、重心。

2、虚实：虚中有实，实中有虚，过实则一目了然，过虚则轻飘无依。

3、疏密：疏散聚集，布置得好，则画面自有松、紧、聚、散，产生律动感。

4、布白：虽不着笔墨，但能让人的性灵和思维尽情奔驰，而获得无穷的妙悟，用之不当则缺乏内容，画面会显得单薄。

5、款题：国画的特有格局，若款题好，不但启人意兴，且能增加画面的美感与深度。

6、均衡：以中心线为准，两边的物体形式虽不同，但分量的感觉应相同。

7、简洁：对事物本质的纯化，表现特质即可。

8、对比：两物相连，强调彼此间的差异，使在互相加强中，各尽其美。

9、和谐：笔墨的使用，虚实的配置，以点、线、墨色、布白来支配整个画面，使其达到统一和谐的境界。

三、国画常用的构图

1、“之”字型：花鸟画常用的一种构图方式。画面往往可以用“之”字型的气脉把各个分散的部份贯穿起来。这样使构图既不偏重于一边，又不会造成两边分布过于呆板对称，从而既能灵动变化，又能保持均衡统一，这一方式不仅在立轴中常用，就是在横幅和斗方中也可以运用，也就是说“之”字可横亦可竖。

2、三线体：就是构图以主线、辅线、破线三条线作为主要构成的手法。

树干主干的走向是构图的主线，另有衬托的枝干随主干走向辅排，起着陪衬辅助作用，即辅线。然后另出旁枝从主线破出，使构图多样变化，这根线就叫破线。主线主导着画中气脉走向，而辅线则增加层次，破线用于对主线进行反衬，更加明确画面的主、次关系。

3、对角位：山水画中，对角位构成式式运用得较多，常见的如实角对实角，空角对空角，造成均衡的错位。实际上是均衡的一种变化，即打破了平均的呆板处理。把一边上移，另一边下沉。

4、三角型：在几何图形中，三角型是最稳定的一种图形，适宜表现静、稳的感觉。所以一旦画面所表现的物象的外轮 廓呈现三角形时，整个上就会显得集中、整体、肃穆。

5、矩型：以矩型（长方形、正方形）作为画面的主要构成形式，有一种大气是是感觉。

6、几何型组合：将上述所讲及的三角形、方块再加上圆形、梯等等。这在表现山水小景或案头清供之类的静物组合中常常用到。绘画时对每种物象的外形尽量向某种几何体图形归类，这样有助于强化构图的形式美。

7、段叠式：即“三叠两段”。所谓“三叠”，是指“一层地，二层树、三层山”，所谓“两段”是指“景在下，山在上 ，俗以云在中，分明隔作两段。”因此，在山水画中，“三叠两段”的构图形式十分之多见。当然“叠”可有三叠，也可以有四叠、五叠。段亦然…

8、层叠式：层叠式是以层层堆叠的方式表现画面的纵深层次，加强空间深度的构图形式，这在山水画或表现大场面的人物画中较为的多见。而一些侧重表现体积的时候就可以相应地采用层叠式，这样有利于表现画面的纵深，取得三维效果。

9、基本原则：一幅画主体突出才能主题明确，所以主要的表现对象要在显要的位置。摆在最正中间或者两条中线的位置上，都显得呆板，一般来说，主体摆在九宫格的中间四个交叉点上是最佳的位置。

国画松树绘画技巧

（一）画松干

1。用兼毫抓笔，吸清水，再蘸浓墨以中侧锋兼施的笔法，先画出松干阴面的轮廓线。接着蘸淡墨按此法画出松干阳面的轮廓线。

2。用笔顺序是从上到下一段一段地接着画。画时要根据整体构图的需要留出接画枝干和枯杈的空缺。

3。在运笔过程中，手和腕的动作要有轻重、快慢、提按、转折、顿挫、顺逆和散拖的变化；从笔墨效果上要有刚、柔、枯、润、光、毛、苍、嫩等变化；从视觉效果上要有生命感、力量感和体积感。也就是说，画松干极为重视用笔的方法和功力。

4。生长在高山峰巅和峭壁间的老松仪态，或曲折而俯仰，或躬身而若揖，如巨龙腾跃，气势尤为雄奇壮观。勾线时应注情于笔，要气势连贯，如“笔走龙蛇”。墨色浑融协调，用笔要坚劲疾利，表现出古松苍皮老干、质坚势傲的风骨。

（二）画松枝

松树的干与枝，是一个有机的整体，松树的势态神仪主要由它们来决定。画松枝的用笔、用墨及运笔方法与画松干基本相同，但又有区别，其一是，线条比松干细些；其二是，画松枝要注意表现出前后左右的不同长向（即树分“四岐”）和疏密、隐现、长短、粗细、枯茂等变化；其三是，画老松要画出古枝屈折、回互交织、枝横劲而弹进的特征，以显出它们那种挺然屹立傲苍穹的精神。

（三）画松树节窟与枯杈

为了表现松树历劫不衰、巍然挺立的精神状貌，在枝干的`转折处适当画些节窟（即树眼）、枯杈和短断枝是非常必要的。应以干浓墨为主，中侧锋画节窟，中锋画短断枝与枯杈，笔线要浑圆坚实。

（四）点苔

在松树干枝两侧加着焦渴的密点称为点苔。要表现出松树皮爆裂的感觉。点苔时应审视全局，按艺术上的需要加点，注意疏密、大小、浓淡关系上的变化，切不可均匀地平铺。还应充分运用腕力，以“高山坠石”般的力度点出，达到神满气足的艺术效果。

（五）画松皮

松干的表面有鳞状的皱裂皮层，即“松鳞”，它是松树的特征之一，表现出松树苍劲伟岸的神韵。

在画完干、枝以后，紧接着就要圈鳞。用笔多为中侧锋兼施，并要注意以下几点：

1。要有虚实、疏密的变化，以表现松干的立体感，往往是阴面圈鳞而阳面不圈鳞，或两侧圈而中间不圈。

2。鳞片应有大、小、粗、细、浓、淡之别，不可千片一律。

3。干与枝、近枝与远枝的鳞也应有区别。相比而言，圈干上鳞片用线稍粗，鳞片稍大，圈枝上鳞片用线稍细，鳞片也稍小。近枝鳞片用墨稍浓于远枝鳞片。

4。整体用墨方法应以积墨法为主。即先以淡墨不规则地圈鳞，半干时再以浓墨破圈，并随手抹擦。

5。圈鳞时须情、气并盛，放纵其笔往往在有意无意之间，达“无意于佳乃佳”（苏轼语）的效果。

（六）松针针形与排列

由于松叶呈针形，所以称为松针。

画松针应以“远取其势，近取其质”的方法作近似描绘，无须一一绘之。历代松针画法有十几种之多，这里举出双笔车轮针法，它是明代吴伟所创造的双笔画针法（自然界的松针，有许多就是每两针为一束地生长）。

画松针用笔以狼毫小楷中锋实起实收为主，如“锥画沙”，质如钢针。用墨可先浓后淡，多层重积。

身临松下而肃然心静之情意的产生，是与松针青翠苍郁的描绘分不开的。整幅作品水平的高低，从画松针的功力上已能看出个大概。所以，千万不可轻视松针。

（七）画松针

用狼毫小楷笔或“花枝俏”笔画松针，双笔中锋，实起实收，质如钢针。用墨先浓后淡，浓淡交替，多层重积，注意留出主要枝干不画松针，以见其势。松针画完之后，再用淡花青色点染一遍。

（八）题款与押印

全图画毕，选适当位置题款、押印。

国画怎样构图？

苦味贤人 的 浅谈中国画如何构图

摘要： 构图，从广义上讲，是指形象或符号对空间占有的状况。 因此理应包括一切立体和平面的造型，但立体的造型由于视角的可变，使其空间占有状况如果用固定的方法阐述，就显得不够全面，所以通常在解释构图各个方面的问题时，总以平面为主。狭义上讲：构图是艺术家为了表现一定的思想、意境、情感、在一定的空间范围内，运用审美的原则安排和处理形象、符号的位置关系，使其组成有说服力的艺术整体。中国画论里称之为“经营位置”“章法”“布局”等等，都是指构图。所谓“位置”就是指所绘对象在空间的远近、前后、左右、上下、高低、纵横等关系，所谓“经营”就是指在一幅画面中，如何把握这些关系处理恰当，以体现作家的构思要求，来完美的表达作者的创作意图。其中“布局”这个提法比较妥当。因为“构图”略含平面的意思，而“布局”的“局”则是泛指一定范围内的一个整体，“布”就是对这个整体的安排、布置。因此，构图必须要从整个局面出发，最终也是企求达到整个局面符合表达意图的协调统一。

构图在国画称为布局或章法，它是画面景物位置的配合，也是画中骨格的表现。构图的好与坏，不但影响整幅图的质素，更影响到它的价值和地位。

国画于构图中最大的特点并非西洋画的大小对比，斜线构图等的理论，而是首推它的画面景物视点问题，国画的透视点是无固定的，画面中可以有多层次的表现，视力不逮之处也可将它呈现于画面之上，从而做出天外有天，山外有山的画面。除此之外，还有大小对比，斜线构图，甚至是虚实的搭配，宾主之分，前后远近的描绘，皆遵从美学原理与法则，这些都是国画构图优越的表现。你必须在画面所用的物品之间建立某种联系，这种和联系可能成为画面的主题------具有田园生活的特征。

作者在作画的时候总要表达自己现在的心情和当时的那种激动，在一触即发的时刻捕捉到事物的特点，对它有了某种理解和某种感情，要用具体的形象将它表现出来，即将事物在头脑中进行反复的思考，将其吸收并融化，在头脑中进行多次的修改成熟后，再安排画面如何的组成，如何 的定位。

“关键词”创作和写文章一样，需要将感情、想法、作画时的那种冲动淋漓尽致的表现出来寄予整个的画面中，这样方能达到“气韵生动”的效果和最佳状态。“气韵生动”是六法之首，是绘画创作的主要的目的，又是对作品评价的很重要的标准。气韵是和神气，神采是一脉相通的，包含了 节奏美和风格美和生动的美，更是作者的人格、性格、气度、情感、文化和内涵的充实在现，作品就是为了表现塑造形象的生动和真实性的特征，所以说在做画的时候不能离开“气韵生动”如果离开了就失去了灵魂和技术的东西了。中国画家在描绘事物的时候不但要塑造对象的外型，更重要的是表现事物的精神和内在的气质，这就是人们长说的“型神兼备”，中国画的人物如此，山水、花鸟也是这样的，达到了形似才能具备“气韵生动”。

当我们在画画的时候，在画面上如何的将要 画的布置陈设的合理和妥当，应该和一杆老秤一样，要求作画的时候在变化中求平衡，在平衡中求变化，这就要求在墨色的色的深浅，物体的大小和距离的远近上求得平衡的变化，在变化的同时又显得那么的协调，但是在一幅画中不能出现平行或者是对称的，那样的话就会显得那么的僵硬和死板，有句老话说的很好：“疏可跑马，密不透风。”这样才能鲜明的摆正一幅画的布局和陈设，从而达到了一幅画的美观。在自然界中有着数不清的花花草草，生长的也是非常的复杂和烦乱，所以我们不能将他们都能画到画面中，一幅作品要有取舍，要有保留这样才能在一幅作品中，在不同的角度和形态中找到属于它自己的变化，保存住好的精彩的部分，并且巧妙的结合在一起，组织安排在一幅作品中，再加上作者的精心的构思和娴熟的自身的功力相信会有好的作品的。一幅画的构图要从整体入手，从西画中我们清楚地可以看到这一点，整体的结构是很关键的，要画一幅作品要有合理的顺序，如何的下笔，怎样的从远近，虚实，大小等方面，来完成一幅作品是很重要的，但是每个画家都有自己的一套，有自己的思维和想法，在这里说的只是属于我自己的想法，还有要明确主体和客体的安排，也就是说先完成整体的东西，让侯在完成其它的点缀。中国画有三不朽：

1、：用墨不朽；

2、：诗，书，画合一不朽3：能远取其势，近取其质不朽也。——1953年答编者问《画学篇》之义。这最后的一个不朽就体现了在走品中的布局陈设，黄宾虹老先生也是非常的 注重一幅画的构图 的。在中国画的画幅中“即白当黑”体现着用墨和留白的奥妙之处，也就是说黑白相映彼此相对，这种反差体现了中国画的空间的作用，在美学中，“墨出形，白藏黑”。“知白守黑”也可以称之为黑白关系，在作画的时候要关注黑的部分，同时也要了解白的部分，再能胸有成竹的完成作品，“白”的东西，是要有计划的保留的，在作品中达到相互的黑和白的相互的映衬，有计划有策略的黑白关系，在才能协调好局面，但是黑和白的大小是不能一样的，大小的反差，形态各异。这样的才能称为黑白的变化才能达到完美的效果。“白”在画面上可以代表天、地、雪、云、雾，你想到的，你想不到的，在作品中都能用白在形象的表现出来，画上鸟的地方的代表了天空，画上小鸡和牛或者其他的东西代表了大地和山坡，所以说空白的地方是不可以忽略的，它表现着没有笔墨的物象，也表现着虚的东西，和笔墨有着同等的重要的地位。我国是一个大国，土地辽阔从北到难，从东到西，其间的自然的环境和生活的方式大步相同而且差距很大，有着这些的不同就可以清楚地明白了在中国画的表现中也会是不相同的，根据地方的不同在构图，画法，用色都会各不相同的，〔当然，共同的民族风格，还是很明显的〕。同样的说在画面上的布置路径，最好掩映曲折，似乎非此不够艺术性，这是“曲径通幽”的想法。比如说园林吧，以前的统治阶级和资本家为了个人的享乐，造个人的花园，把假山池沼布置得高低迂回，认为有丘壑而现在却完全的改变了，就连田有的实行了格子化，差不多是方方的 大面积了，而我门在这里用了这么多的文章，开朗阔大的气魄所吸引，就说明之此。画面的协调问题也是很严重的，在我们的生活中，其实很复杂的，方方面面的东西和事物是很多的，在画一幅作品的时候把没有必要的东西，丝毫没有关系的东西并入到同一个画面中会导致画面的杂乱无章，整体协调的自然，也就要就我们要在客观的同时达到统一，这样才不失生活常识的表现。比例的问题在画面上也要重视起来，在很下的画幅中画上了很多的东西使之画面添的很满这就不体现国画的那种神秘和优雅，等不能创造出新的意境和奇迹，在中国画的中物体应该遵循的是物象的客观的大小，而不能任意的扩张或片面的缩小，这样会造成画面的比例的失调，事物多大在画面中尽量的表现为多大，在小的画面中，就要少表现，千万不要再小的画面中挤上很多的东西任意的收缩和扩张，这样的话就失去了物象的协调性，同时也失去了它的自然性。在一幅作品中存在着宾主关系，“主”代表的是主体，“宾”代表的是客体，在它们之间要有一种相互的呼应的关系，也就是说无论在姿态还是在神态上都有都有着相互、相依、相连、互相默契的感觉，在有的时候使他们相交、穿插、重叠，融为一体，这样的作品画面才是生动的。

作画的时候，顺序是很重要的，而且是很重要的问题，当我们在表现3度空间的时候，前后的层次关系如果不能成功的弩驾好，一个平面的作品就会出现，并且不分前后，导致了一塌糊涂没有了美感和艺术性。更重要的是没有虚实、没有了空间。怎么表现，应该是靠深、浅的反差方法来表现，根据中国画的墨色变化的特点，要先完成前面的东西，让后在画后面的物体；先画浓的东西，在用淡的去烘托，这样就有了层次，也表现了空间，同一类的物品这样的表现，不同类的物体出现在一个平面上这样的表现，效果应该也是 很好的。通过各种构图的方式完成了一幅作品，一定要在细细的观察它，在作画的过程中会出现某种意想不到的情况，可能会出现不理想的地方，还需要认真的收拾，认真的调节画面。一般出现的毛病可能有几种：

1、：太密 2：太散 3：太对称

4：太均匀，这些毛病要采取相应的措施来解决。在适当的地方有选择性的加一些树杈、或点一些苔点、或者有淡墨渲染一下气氛，在适当的地方加些花花草草，这样一来不但充实了空间感和真实性，而且弥补了画面不太成功和不足之处，如果画面实在是太满太乱，就不能在弥补了，那样的话就重新动笔在画它一张。在一幅作品中“势”是很有说法的，包括了1：形式 造型之势 2：章势 整个画面 3：气势 形态魄力 4：笔势 用笔的纵横 5：情势 感情的传播，在置陈布势时，要将所有的注意力和感情集中在笔上，这样才能作到笔到、情到、意到，这样的画面才能将感情和形式融为一体。在绘画的过程中，出现了某种情况，需要临时的改变位置和变化走向，变化构图的奇险，需要胆量，另外心灵、眼活、手笔要跟的上 ，绘画的构图是形式美与不美的问题，这些是离不开眼睛的，眼睛的灵活和综观全局，变化空间，做到脑、心、笔的贯通随即的处理，才能迎接随时而来的变异的情况。在对画面整体布局时，回出现曲折悠长的复杂的变化，但是不管怎样的变化，物象与物象之间都会存在着相应的联系和呼应，这样才能叫整体。从动笔到结束，想法、注意力和感情的连续起来，贯穿始终，在完成作品时，方能表达的自我的感情，认知的情趣，成功的地方，失败的地方都能清楚的表现出来，并且在一幅作品中能引起注意。

好的作品要具备很多的因素，首先要考虑的是开合问题，开始与结尾是绘画的两个大的问题，有的画从上面，有的画从下面，有的左有的右。但是必须有起、承、转、合四个部分，而且四个部分是紧密的联系在一起的，关键的是起和结两个部分，起结处理好了，才能使绘画的开始和结尾相互的晖映，画面的整体的感觉才会比较的完美，另外题字、印章也对画面的效果和开合有很 大的关系，我们在绘画的时候不能忽视的。还有内外的联系，主次分明，也是很重要的问题，画面是有限的，但是我们要将有限的画面效果表现无限的氛围，这就要求了在画面的布局和陈设时，要表现好画内的同时还要兼考虑到画外的景致。就像有的构图在画的时候超过了纸的边缘，使画里和画外相互的呼应和补充，这样一来造成了画面的有限，却产生了意境无穷的艺术的效果，得到画内和容易，要是得到画外的意境就困难了，这就要求我们在长期的实践中不断的摸索，研究，多读书，多观察，常发现，不断的充实自己，相驽驾和把握这种是很容易的。另外，动中有静，静中有动也是这种特色的重要问题，在大自然中有各种，各类的事物很多，花鸟画有它的生命性，花有长势，鸟有动势，大自然的风雨都是莫名的变化的，没有了动，一切皆无，在绘画山更谈不上传神了，所以说没有动和静大自然的事物就显不出自己的动势就更谈不上生命了。同样，虚实也是构图特色中部可缺少的部分，画面中有虚有实，才会有空间感，处理的好，可以更好的突出画面的主要形象和情节，使它富有变化从而获得灵性，“虚 实”具体的来讲，包括：多与少，繁与简，聚与散，轻与重，强与弱，疏与密，浓与淡，枯与润等，这样画面才会有生机，空灵有致。气韵生动是一副作品的基础，画面中每一笔，每一处都有变化，是这样的变化协调在一张纸上，真实、自然的感觉就会出现，使人感到那样的有味道，更加的另人心旷神怡。

我们在长期的实践和锻炼中，要发挥我们自身 的才能将我们学到的、看到的、听到的、闻到的将其理解吸收，不段 的摸索我相信成功不会天遥远了。